中国画造型、构图、笔墨与形式的当代性思考

郭简历

1964年出生于广东顺德。1992年毕业于广州美术学院中国画系。

中国画院花鸟画研究所专职画家、研究员，国家一级美术师，中国美术家协会会员。中国画参加第九、十、十一、十三届全国美展及各类全国性展览，获第九届全国美展铜奖、中国美展铜奖、历史画及主题创作展铜奖、第四届中国当代美展铜奖、第一届中国写意画展优秀作品奖、第四届全国画院学术奖等。

中国画从来不缺少传统。

历代的绘画犹如绘画史上的明星。

无论是山水画还是花鸟画，从宋代的写实巅峰到元明清的无骨小写和文人写意，都是我们的传统。

中国画一直沉浸在传统的长河中。

我们学习传统要学什么？学习传统的精神魅力？学传统艺术态度？学习传统技能和方法？我也这么认为学习传统，然后呢？绘画必须非常接近传统，传统的背景从风格到技巧都是继承的，但是...遵循传统，我们能比传统更好吗？当然，答案是否定的。

我是这样认为的:我们学习传统(绘画)是为了将来和它不一样。了解传统的面目和底蕴，然后就可以避免了。我觉得当代中国画更需要的是走出传统，多做一些“离经叛道”的探索。其实每个时代留下的艺术高峰，都是当时对传统的“反叛”所创造的。宋代的马援、夏圭、元四家，明清的八大，近代的石涛、吴昌硕、齐白石等等。

中国画的主要元素是什么？题材、造型、构图、色彩(或黑白关系)、技法(写意技法、工笔渲染技法)最终形成这幅画的风格、格调、神韵等形而上的东西，也就是谢赫所说的“六法”。关于绘画主题:

国画的题材，人物是一个大项，另一个是山、水、树、石、花草、动物、鸟、虫鱼、建筑、城墙等等。从表现手法来看，就是宏观的山水和微观的人物，花鸟动物。在中国画中，以上几种大致分为山水画、花鸟(动物)画和人物画。这些主题元素及其分类并无传统与现代之分，但在绘画的运用与表达上有传统与现代(当代)之分。现在的山水画大多还是山水树石(加上房屋建筑)的组合概念，世界看到的是大地(水)，中间看到的是树林和房屋。今天的花鸟画还是以自然现实为基础，还是容易走向文人画的模式和套路。由于时代生活的制约，人物画确实比山水花鸟画更具当代性。而人物画的写实状态，可以通过工笔人物画的照片造型(照片的滥用)，写意人物画的素描和水墨图案，一个“写实与主旋律”的魔咒来想象。关于造型:

从写实到写意，从具象到抽象，是绘画造型发展的基本规律，古今中外莫不如此。西方美术的造型变化发展的脉络非常清晰有序（关注西方美术史的人都比较了解），中国正统的绘画史基本上以写实为主要脉络，但也出现了八大、陈老莲这样的变形大师。山水画与花鸟画方面更倾向于程式化的造型方式，总结出各种树法、石法、皴法、叶法等，这些已不完全是造型特征，而是带有技法肌理成份了。

从写实到写意，从具象到抽象，是绘画造型发展的基本规律，全世界都是如此。西方艺术的形态变化发展非常清晰有序(关注西方艺术史的人都很清楚)。现实主义是中国正统绘画史的主线，但也有像八大、陈老莲这样的变形大师。山水画和花鸟画更倾向于风格化的造型方法，各种树法、石法、皴法、叶法等。都是总结出来的，不完全是造型特征，但是有技术质感成分。

在现当代，我们的现代绘画如何吸收古今中外的造型特点，从而发展出更具当代形式和个性的中国画造型？这是一个值得大家思考的问题。关于构图:

构图是中国画从传统形式走向现代形式的重要环节。山水画和花鸟画是中国传统绘画的两大支柱。从宋元明清到现代，山水画和花鸟画的构图格式大同小异。再加上一成不变的题材和造型习惯，越来越成熟的笔墨技法，中国画的风格化已经固化。所以中国画要想形成新的结构模式，构图的变化很重要。对带有主观和设计元素的平面构成理论的吸收和利用，将是中国画在画面形式上从传统走向现代的便捷通道。关于技术和材料:

技法和材料是界定中国画为国画的技术因素，也是本质因素。

中国画主要分为工笔和写意两大体系。奇怪的是，工笔画在宋代达到顶峰后突然衰落，写意及其相应的技法模式:笔墨成为中国画的主流。

笔墨，原本是作为写意的表现手段，后来成为中国画唯一的技术载体，最后成为中国画的文化符号。现在业界谈中国画，最重要的话题是“笔墨”，主要的评判标准也是“笔墨”。作为技术语言的“笔墨”，其重要性压倒了绘画的两大基础:造型和构图。这是世界绘画史上非常奇怪的现象。吴冠中曾说“笔墨等于零”。吴冠中强调绘画形式的重要性，认为“脱离了具象的笔墨等于零”。与这个话题相关的争论已经持续了几十年。关于抽象水墨画:

“抽象”一词来自西方，指的是造型中脱离具体形象的一种纯粹的几何形状。中国水墨写意的“意象造型”和“抽象造型”有同有异，都是表现对象的某种虚幻表现，只是程度不同。写意“笔墨”本身就是一种技术效果，它的运动和渗透轨迹有一定的偶然因素。好的写意的笔墨效果，应该有偶然性的成分(比如用大笔，断笔，会增加笔墨的偶然性)。但如果将写意的局部效果加强放大，就会产生另一种“抽象”的图式，其视觉效果与传统写意大相径庭。

不可否认，中国画的发展，尤其是创作理念和审美的更新，需要一些从业者敢于有所突破。突破可以从题材、造型、构图、色彩，甚至笔墨的运用，甚至在创作思维、画面结构的处理上，进行全面的突破和改变。比如横向借鉴是中国画改革最重要的方式之一；我们应该在“现实主义”之外寻找创作途径。从古代艺术中寻找更新的元素，突破或避免艺术之外的一些干扰或限制，可能是艺术回归本真的重要途径(虽然很难，尤其是人物画)。

我的水墨系列有树木、岩石、动物等。，只是把中国画常用的一些元素从传统习惯的组合中分离出来，用单一的元素或意象去探索和研究绘画语言。然后用另一种方式拼起来(希望符合现代人的审美)。我尝试用山水画宏观控制整体结构，用花鸟画细节刻画微观表现，从而创作出我心目中的山水、树木、石头、动物、花鸟、花木。我只是一个画国画的画家，但不是严格意义上的山水画家或花鸟画家。我一直在用我所掌握的传统笔墨来表达我心目中现代中国画的图式。我尽量用不同的方式去画，哪怕是同一个题材，但是我多年来形成的造型观念和笔墨习惯，会在我画的每一个阶段都有所体现。

绘画是一种视觉经验的交流。我不想给我的中国画过多的超出绘画意义的阐述。绘画不是文学，也不是诗歌。绘画中的想象力必须通过图像而不是文字来完成。绘画不是哲学，没必要搞得那么神秘。作为一名中国画从业者，几十年来对工笔花鸟画和水墨写意的两端都做过深入的学习、研究和探索，深知突破和创新的不易。怀着对传统的敬畏和对未知的好奇，希望在个人的艺术实践中找到属于自己的空空间。国家画院(前身为国画研究院)首任院长李可染有一句话:“要尽最大努力进入传统，以最大的勇气走出来”。

我已经走进去过（哪怕只是一点点），现在我想走出来。

我已经走进去了(哪怕只是一点点)，现在我想出去。